Huo is Asking : Anthony Miler
Transkript
Huo is Asking : Anthony Miler
Huo is Asking : Anthony Miler Translation : Vehbi Görgülü anthonymiler.blogspot.com İlk olarak aldığın sanat eğitimini merak ediyorum. Okurlarımız ile birlikte Türk Güzel Sanatlar eğitim ve öğretimi ile farklı bir ülke eğitimini karşılaştırmanın, aradaki farklılıkları tespit etmenin önemli olacağını düşünüyorum. Aslında bir şeyler çizmeye merakım çocukluk dönemime dayanıyor. Eğitim hayatım devlet okulunda başladı; bu sırada çizim ve heykel üzerine genel eğitimlere de katılıyordum. Bu dönemde annemin çok az parası olmasına rağmen bana özel resim dersleri aldırmasını unutamıyorum. Çünkü sınıfta yalnızca kalemle çizimler yaparken, özel derslerde karakalem ve pastel de kullanıyordum. Yazmayı öğrendikten sonra anneannem bana çalıştığı fabrikada kullanılan özel kağıtlar vermeye başlamıştı. Bu kağıtların özelliği, bir taraflarının boş ve beyaz olmaları iken, diğer taraflarının kalın ve açık yeşil çizgilere sahip olmasıydı. Bir anlamda bize okulda verilen kağıtlara benziyorlardı. Fakat anneannem yazmayı bu kağıtlar üzerinde öğrenmemi özellikle istemişti. Üstelik bu kağıtların boş tarafına çizimler yapabiliyordum! Bu anıyı anlatmamın sebebi, görsel dile ilgi duymaya başlamamın çok erken yaşlarda olmasıdır. Paralel olarak yazı diline ve eğitim sistemine duyduğum güvensizliğin doğuşu da bu döneme rastlar. Liseden sonra, 18 yaşına geldiğimde ise küçük bir liberal sanat akademisine kaydoldum. Okulun liberallik vurgusu, vermiş olduğu eğitimin yalnızca sanatla sınırlı kalmıyor olmasından kaynaklanıyordu. Bana burs önerildiği ve hocalarımı sevdiğim için eğitimime burada devam etmeye karar verdim. Mezun olduktan sonra ise New York’ta güzel sanatlar üzerine bir yüksek lisans programına kaydoldum. Lisansın ardından hemen yüksek lisans eğitimine başlayanların devletten kolayca kredi aldıklarını duymuştum; ara vermemiş olmam biraz da bundan ötürüdür… Genç sanatçılara önerdiğim için söylemiyorum. Tek isteğim New York’a gitmekti, fakat param yoktu. Bu nedenle alabileceğim en yüksek krediyi talep ettim ve aldıktan sonra New York’a taşındım. Yüksek lisansa başladıktan sonra ise aldığım notların benim için hiçbir önem taşımadığı kanaatine vardım. Mezun olmama rağmen, okuldan diplomamı almış değilim. Söylemek istediğim, biri ne yapmak istediğini biliyorsa belki de okul o kadar gerekli değildir. Okul ile kastettiğim, ana akım üniversitelerin %98’i. En iyi üniversiteler hakkında bir perspektife sahip değilim; çünkü onların birinden mezun olmadım. Yine de çoğu Amerikan üniversitesinin bilinçsiz öğrencilere başarıyla pazarlandığını düşünüyorum. Bir de okul ücretlerini göz önüne alınca! Borç toplumunun bir parçası olmak için erken bir yaş değil mi sence de? Çalışmalarını incelediğimde daha çok performatif olduğunu algılamıştım, ama atölye ziyaretimde çalışmalarının ön aşamalarıyla ve eskizlerinle karşılaştım. Yani sadece anlık değil, bir ön süreci olan çalışmalar. Nasıl bir çalışma sistemin var? Malzemelerin başına nasıl geçiyorsun? İlk izlenimini tahmin edebiliyorum; bence bu izlenim, malzemeleri sert bir yaklaşımla kullanmış olmam nedeniyle ediniliyor. Daha minimal çalışmalarım fiziksel eylem odaklı oldukları için anlık üretimler. Fakat kimi zaman oluyor ki bir çalışmamın tamamlanıp tamamlanmadığına karar vermek aylarımı alıyor. Bir iş anlık olabilir; fakat bu onun hemen tamamlandığının işaretçisi değil. Günler boyunca tekrar tekrar bakılması gerek o çalışmaya; farklı ruh hallerinde, farklı düşüncelerle. Dolayısıyla her bir çalışma için süreç farklı işliyor. Ve katı bir çalışma sistemim olduğunu söyleyemem. Özgürlük, anı hissetmek ve resim yapmak hakkında yeni şeyler öğrenmek benim için önemli. Bu bana ruhen eşsiz bir denge sağlıyor. Örneğin doğa, aşağıdan yukarı doğru gelişen bir sisteme sahip olmasından ötürü öğreticidir. Yukarıdan aşağıya inen hiyerarşik hiçbir düzen benim içen işler değildir. Bu sanırım biraz da benim sanat okullarıyla yaşadığım psikolojik çatışmaların bir sonucu. Anthony Miler, Untitled, mixed media, 2013 Atölyende neredeyse bütün çalışmaların duvarlarda, yerlerde. Her yer çalışmalarınla çevrili. Bu şekilde çalışmalarının birbirlerini desteklediğini mi düşünüyorsun? Yoksa bu bir üretim şekli mi? Aynı anda bir çok çalışma birlikte ilerleyebiliyor mu? Her zaman birkaç iş üzerinde birden çalışmışımdır. Elbette ki yapmış olduğum çalışmalar teknik açıdan ve kullanılan malzemeler bakımından birbirlerini etkiliyorlar. Bazen işler tersine gidiyor; bir iş üzerinde çalışmak ilk etapta hoşuma giderken, birdenbire onu askıya alabiliyorum. Orijinali rafa kaldırıp, çizim üzerinde ara ara çalışmaya devam ediyorum. Örneğin geçen kış yaşadığım ve bu söylediklerimin zıttı olan bir deneyimimi paylaşayım. Bir sezon boyunca tek bir yapıyı paylaşan 40 çalışmaya imza attığım ilginç ve verimli bir zaman dilimi geçirdim. Kesinlikle planlı değildi; aynı anda diğer işlerimle de ilgilenmeye çalışıyordum. Yine de çalışmaktan usanmadım, çünkü parçaların kendi yollarını nasıl çizdiklerini gözlemlemek hoşuma gidiyordu. Willem De Kooning ile aranda bir bağlantı olduğunu düşündüm ve bunu seninle paylaştım. Aynı zamanda sohbetimizde seni Semiha Berksoy ve Fikret Mualla ile tanıştırdım. Sanat tarihinde yer alan ve bizim için önemli olan bu sanatçılarla aynı dile sahip olduğunu hissediyorum… Sen nasıl üretiyorsun? Nelerden ilham alırsın? Seni tetikleyen şey nedir? Bence tüm stüdyoların benzer özellikleri var. Tek fark, her bir ressamın çalışmalarının farklı yönde gelişim göstermeleri. Bence De Kooning, kimi zaman ‘anything goes’ (nasıl olursa olsun) yaklaşımıyla çalışabiliyor; kağıt kolajlardan oluşan tuval çalışmaları bu yaklaşımın bariz örnekleri. Yine de ikimizin de çalışmalarımızın monoprint baskılarını aldığımız doğrudur; böylelikle bir yapıyı sahiplenen birden çok parça üzerinde aynı anda çalışabiliyoruz. Matisse için de aynı şekilde geçerli, fakat dediğim gibi, hepimizin hayal gücü birbirinden farklı işliyor. Beni Berksoy ve Mualla ile tanıştırdığında onların psikolojik tabiatlarıyla yakınlık kurdum. Benzer duygusal değerlere sahip olduğumuzu düşündüm Genel olarak COBRA hareketine sadık kalan sanatçıların işlerini seviyorum. Bunun yanı sıra, beni savaş dönemlerine götüren veya bana sınıfsal veya etnik etnik çatışmaların gerilimini hissettiren çalışmaları seviyorum. Bahsettiğim radikal anlamda politik çalışmalar değil elbet; daha ziyade gücünü kanın kırmızısından alan işler! Çatışma, hissettiğim duyguyu tanımlamak için en uygun kavram olabilir. Belki mücadele ya da agresiflik olarak tanımlamak daha doğru. Geleceğe dair beklentilerin, planların nelerdir? Şu an birkaç grup sergisi üzerinde çalışıyorum. En yakın tarihli olanı (‘Hope Despite The Times’/’Zamana Rağmen Umut’), 21 Kasım’da New York’taki Ziehersmith Galerisi’nde açılacak. Bir diğer sergi ise Kopenhag’daki Tom Christoffersen Galerisi’nde gerçekleşecek. Bir yandan yakın dostum Guil Macedo ile birlikte bir kitap projesi üzerinde çalışıyoruz. Guil fotoğrafları çekiyor, ben de tasarımla ilgileniyorum. Kitap ise benim geçtiğimiz birkaç senede yapmış olduğum çalışmalardan oluşan bir kolaj niteliğine sahip olacak. Yayın tarihiyle aynı güne Brooklyn’de bir solo sergi sığdırmaya çalışacağım. Serginin New York’ta açılması benim için önemli, çünkü burada yaşıyorum. İçinde yaşadığım toplumun farklı yüzlerini göstermek istiyorum. Kopenhag sergim büyük ilgi görmüştü; bu nedenle uluslararası tekliflere her zaman açık olacağım. —- First of all, I would like to learn about your educational background. I find it essential to compare Turkish Fine Arts education system with educational approaches in other countries. Throughout my childhood I was always drawing as a sort of self-educating, and the statefunded public schools I attended always had some general art classes which mainly had us drawing with a little bit of basic painting and sculpture. Two things that stick out to me early on as a youth: First, although my mother and I had very little money, she enrolled me in a special drawing class outside of school. This was my first exposure to all of the classic drawing mediums… charcoal, graphite sticks of different density, pastels, conte crayons, etc… whereas in the general classes at school I remember drawing only with pencils. Also, at the age of learning to write, my grandmother would give me sheets of paper which was made specially for machines at the factory where she worked. The characteristics of this paper is that on one side it was completely blank and white, and the other side was lined with thick, light green lines. It was very similar to the paper at school that we practiced writing letters and words on. It was my Grandmother’s intention that I practice writing on this lined paper. However, I would flip over the paper and draw on the blank side. I mention this because I see it as an early indication of a drive toward visual language, and the overall mistrust that I have today of written language and how it is used, which in large part is learned in educational institutions. After high-school, at 18 years old I enrolled in a degree program for a Bachelor’s of Fine Arts at a small liberal-arts college. Liberal-arts means that its program stresses a balance of studies across many disciplines, not focusing strictly on art. This particular school had a good fine-art program at the time with very supportive instructors, and they offered me a scholarship, so I settled there. Directly after I went to a graduate degree program in New York for a Master’s of Fine-Arts. This isn’t something I recommend but I was told that directly after undergraduate study is the easiest time to get government loans for graduate study. Since I was certain I wanted to go to New York but had no way of paying, I went immediately so I could take out the maximum loans, and lived on the borrowed money throughout my study. In this quick succession of schools, it’s safe to judge that I fell prey to the business of education. I could sense it immediately in the Master’s program. My reaction was to neglect to look at the grade marks the instructors gave throughout my study, and to focus solely in the studio. To this day I don’t know how I was graded, and although I graduated, I left without picking up my diploma. Overall, I wouldn’t take it back, but if one is intensely driven and has the feeling of being an autodidact already, then perhaps school is unnecessary. I’m talking about mainstream colleges, 98% of them. I do not have a perspective on the top schools since I did not attend one. I think in the U.S. school is marketed to students without them fully realizing it. Also, it’s well known how crazy the prices for tuition here are. It seems an early and cunning introduction to debt-society. When I saw your works at first, I thought they all had a performative sense. But when I visited your studio, I encountered pre-production stages of your works and sketches. It seems you don’t momentarily produce something. They seem to go through several pre-production stages. How would you describe your work system? What makes you to come into work? I can understand that first impression, in part probably due to how aggressively the materials are applied. Some of the more minimal drawings are of course produced momentarily if we are talking about the physical action. But sometimes what happens is that it takes me months to decide if a work is finished. A work can be produced momentarily, and then it takes seeing it many times over many days in different states of mind to both have a full view of it, and at the same time to allow my head to empty out prejudices that may lead me to think something isn’t finished although it’s operating very effectively. The process is different for every piece, and not having a rigid system is important for me. There are of course certain repeated moves and similar imagery spanning bodies of work, but I have the feeling of being grounded in the present, forever learning how to paint, and I think this is an essential balance. Nature is an important teacher in that everything it produces it does so from the bottom-up, organically. Top-down methods of working are uninteresting to me. This is part of my psychological conflict with the institutional setting of art schools. Your studio is filled with your works of art all around. They are all over walls and the floor of your studio. Do you get support and inspiration from your works at stages of production? Is it a part of the production process? Is it possible to work on several projects at the same time? I’m always working on many different pieces at once. Yes, works do inform each other as well as techniques and materials. Sometimes it works in reverse, where I like what is happening in an early state of a drawing, but am unwilling to refrain from working on it more, so I take a trace of it, save the original, and then keep working on the trace. Sometime this happens many times in a row. Last winter I worked on one series of portrait busts for the entire season. It wasn’t something I planned to do, and I also worked on other works, but this was the first time I produced more than 40 drawings concentrating on exploring a single structure. I kept working on it because it was fascinating to see how pieces would take different paths. I think there is a connection between you and Willem De Kooning. I also introduced you to Semiha Berksoy and Fikret Mualla in our talk. I feel you have a similar language with these artists, who hold a special place in art history… What are you inspirations? What’s that triggers you to work? I think there are some similar actions and attitudes within the studio. Although our imagery ends up being quite different, De Kooning at times shares a bit of an “anything goes” attitude, collaging paper directly into canvas works (some of which still have the thumb-tacks embedded in the paint), and we both take mono-prints of work in progress, allowing to work on multiple pieces at the same time that share a structure. Matisse and his use of multiples is also a big one for me, although again our imagery is vastly different. When you introduced me to Berksoy’s and Mualla’s images I immediately felt an affinity with their psychological tenor. I can see some similar emotive qualities in mine and their imagery and in the way their images are painted by favoring the inherent qualities of paint, over strict rendering. I also feel a connection to the COBRA group of artists. And something I keep noticing in work I enjoy is that it is related to some type of conflict whether it’s made around the time of war, or of some other socio-economic or racial conflict. I’m not talking about work that is overtly political, but work that has its politics embedded in its blood. And perhaps conflict is not the most appropriate word. Perhaps it’s more struggle and aggression. What are your expectations from and plans for the future? I am currently working toward a couple of important group shows. The nearest exhibition is titled “HOPE DESPITE THE TIMES” and opens the 21st of November at Ziehersmith Gallery in New York. Another one will be at Tom Christoffersen Gallery in Copenhagen. I’m also working on a book project with a friend and artist Guil Macedo. He is taking the photographs and is doing the layout. It will basically be a presentation of a slice of my work from the past year or two, with some studio shots and a piece of writing or two. It’s planned to be released alongside a solo show in Brooklyn in 2014, which is still in the planning stages. In addition, while it’s nice to show in New York because I live here, I think it’s important to show in many different places as a way to broaden the community I’m involved in. So far, Copenhagen has been great and the work has been received with a lot of enthusiasm there. So I’ll be searching for other international opportunities that may be similarly positive.